Björn Döring

Der Mann, der uns allen etwas voraushat. Einer der einflussreichsten Musiker Afrikas. Der Vater des Ethio-Jazz. Am Sontagabend tanzten trotz Sonnenschein 750 Besucher, inklusive dem Fachhandel für Ereignisse, auf Reggae-Jazzmelodien des dreiundsiebzigjährigen Stars Mulatu Astatke. Die Schlange vor dem Gretchen ging bis zum Mehringdamm und viele Nachzügler versuchten mit selbstgemalten Schildern verzweifelt noch ein Ticket zu bekommen. Warte mal: wer, was? Woher kommt denn dieser Star?

Die Roots des Ethio-Jazz gehen zurück in das Jahr 1958, als der Äthiopier mit 16 Jahren nach London zog um Luftfahrttechnik zu studieren. Lang dauerte das Studium aber nicht. Zügig wechselte der junge Mulatu auf das Trinity College of Music und lernte dort Klavier, Klarinette, Vibrafon und Harmonielehre. Anschließend verschlug es ihn nach Boston, wo er als erster Afrikaner an der Musikhochschule Berklee College Jazz studierte und danach mit seinem Ethiopian Quintett nach New York ging.

1969 kehrte Mulatu mit allen systematischen, westlichen Kenntnissen über Musik und insbesondere über den Jazz in seiner Heimat zurück und kreierte etwas völlig Neues, er erfand den Ethio-Jazz. Er kombinierte die zwölftönigen Harmonien der westlichen Jazzmusik mit fünftönigen Melodien der traditionellen äthiopischen Musik. Mehrere Plattenveröffentlichungen und Kooperationen mit Musikern in Äthiopien und den USA – darunter Duke Ellington – folgten.

Nicht lange danach wurde der äthiopische Kaiser Haile Selassie I. von der kommunistischen Militärdiktatur gestürzt, hinter der auch Offizier Mengistu steckte. Ein Ausgangsverbot wurde verhängt, Liedtexte wurde pedantisch zensiert, Vinyl wurde ganz verboten und jeder ausländische Besucher wurde akribisch auf lokal gekaufte Kassetten gefilzt. Die Folge war verehrend: Viele Musiker wanderten in die USA und nach Europa aus.

Mulatu aber blieb. Er unterrichtete und machte weiter Musik, aber seine Produktionen wurden eingestellt und sein Groove von der Außenwelt vergessen. Ende der Achtziger kam jedoch das Global Music Centre aus Helsinki Mobile in die Hauptstadt Addis Abeba, um eine Platte mit den lokalen Bands Ethio Stars und Tukul Band aufzunehmen: Addis 1988. Ethio Stars kombinierten amharisch Liebeslieder mit rockigem Soul und Reggae, während Tukul Band die traditionelle Krar, ein Zupfinstrument mit fünf oder sechs Saiten, benutzte. Mulatu wurde künstlerischer Leiter, Komponist, Hersteller und musizierte mit. Es war 1992, als die Berliner Kollegen vom Weltmusik-Label Piranha Records die Platte erstmals im deutschsprachigen Raum veröffentlichten. Ende der Neunziger brachte das Label Buda Musique erneut alte Aufnahmen auf CD heraus und begeisterte Mulatu zunehmend auch Fans außerhalb Äthiopiens.

Aber wann wurde Mulatu dann in Europa zum Star? Anfang dieses Jahrhunderts arbeitete er international mit dem amerikanischen Either-Orchestra zusammen, aber der große Durchbruch kam erst, als Jim Jarmusch 2005 Mulatus Musik für seine Tragikomödie Broken Flowers nutzte. Mittlerweile tourt Mulatu mit sechsköpfiger Band durch die Welt. Der Mann wusste schon längst, wie Kulturen aus unterschiedlichen Teilen der Welt musikalisch zusammenkommen. Ohne Berührungsängste hat Mulatu Astatke einfach gemacht, woran er glaubte.

Angesichts der vielen euphorischen Besucher des Konzertes in Berlin am letzten Sonntag, bringt Piranha Records am 19. Mai eine remastered Version der Platte Addis 1988 heraus, und zwar auf der unter dem Mengistu-Regime gesetzeswidrigen 180-Gramm-Vinyl. Inklusive Download-Code, den Mengistu bestimmt auch verboten hätte.

Das Konzert fand am 9. April im Gretchen statt und wurde präsentiert von hhv Records, Digital in Berlin, Piranha und XJAZZ.

Gewinnspiel:
Du möchtest die remastered CD-Versionen von Addis 1988 (Piranha Records, 2017) gewinnen? Dann meld Dich unter folgendem Link für unseren Newsletter an: https://buero-doering.de/newsletter
Unter allen Anmeldungen verlosen wir 2 Exemplare. Die Aktion läuft bis zum 19. April 2017 um 18 Uhr. Der Rechtsweg ist wie immer ausgeschlossen. Viel Glück!

Buy Addis 1988 on 180 gram vinyl Mulatu Astatke

Ich freue mich auf den Sonntag. Denn Sonntag ist umdieeckegedachter Vinyltag. Um die Ecke deshalb, weil Sonntag eigentlich Hausputztag ist, es mir im Laufe meiner diesbezüglichen Karriere aber gelang, die Aufgaben allesamt strategisch günstig um die heimischen Schallplattenspieler zu gruppieren: Küche, Bad, Wohnzimmer. [Read more…] about Abgestaubt. Sonntag ist Vinyltag. Und Hausputz.

Live zu hören am 24.2.2017 im nhow Berlin. Gespielt und gelesen vom Komponistenviertel

Hello, we’re Johnny Cash.

Es muss diese unfassbare Version von Soundgarden’s “Rusty Cage” gewesen sein, die mir den Schlüssel zum Phänomen Johnny Cash direkt ins Gesicht gedrückt hat. Es war 1996 und für mich irgendwie immer noch der Summer of Grunge und eines meiner absoluten Lieblingsstücke erschien in einer Version, wie ich sie nie für möglich gehalten hätte. “Unchained” war das Album, auf dem der immer schwächer werdende Cash den Song mit seinem Produzenten Rick Rubin veröffentlichte. Das zweite Werk der American Recordings Phase. Das erste, das mich als Fan erreicht und fasziniert hat. Dass die Nashville-Country-Mafia das Album weitestgehend ignorierte dankte Cash derselben mit der berühmten Stinkefinger-Anzeige im Billboard-Magazine, nachdem “Unchained” mit einem Grammy als bestes Country-Album ausgezeichnet wurde. Spätestens da war mir klar, dass der Mann auch mit 63 noch ein echter Rock’n’Roller war.

AIN’T NO GRAVE

Danach hat er mich nie wieder losgelassen. Klar, da war der alte Country-Cash, den ich nur aus dieser Columbo-Folge kannte und nicht näher kennen lernen wollte. Aber da war auch dieser Sänger, dieser Interpret, der etwas mit meinen Lieblingssongs machte, was ich mir in meinem stocksteifen Rock’n’Roll-Purismus nie hätte vorstellen können. Die Möglichkeit, einen Song zu formen und ihn mit dem eigenen Leben zu füllen, hat in mir etwas ausgelöst. Mittlerweile ist diese Suche nach der außergewöhnlichen Interpretation eine Sucht geworden, die wir selbst künstlerisch kultivieren. Wir haben Johnny Cash ein Konzertprogramm gewidmet – mit Lieblingssongs von ihm, von uns, zusammengehalten und verbunden durch Texte, die vorwiegend aus der lesenswertern Autobiografie stammen, die Johnny Cash gemeinsam mit Patrick Carr geschrieben hat und die 1999 im Palmyra Verlag erschienen ist. Mittlerweile geht es sogar so weit, dass wir Songs von anderen Künstlern so interpretieren, wie sie Cash und Rubin vielleicht selbst produziert hätten.

WON’T BACK DOWN

„In diesem November des Jahres 2003, ein paar Monate nach Johnny Cashs Tod, erzählt Rick Rubin etwas Unglaubliches. Dass er immer noch Songs höre, von denen er wolle, Johnny Cash würde sie covern.“ „ Das passiert die ganze Zeit“, sagte er, „and I still write them down, and I still get copies oft hem. I can’t bring myself to not continue that process. It was so fullfilling.”

ONE

„I keep a close watch on this heart of mine
I keep my eyes wide open all the time
I keep the ends out for the tie that binds
Because you’re mine, I walk the line.“

„Was hältst Du davon?“, fragte ich Carl Perkins backstage bei einem Konzert. „Ich nenne es Because you’re mine.“
„Hmm“, sagte Carl Perkins. „Ich glaube, I Walk The Line wäre besser als Titel. Dann ging er auf die Bühne und ich schrieb den Song zu Ende.

WALK THE LINE

Mein Arbeitsleben lässt sich schnell beschreiben: Baumwolle in der Jugend und Musik als Erwachsener. Zwischendurch arbeitete ich in einer Automobilfabrik in Michigan, war Funker bei der amerikanischen Luftwaffe in Deutschland und lief von Tür zu Tür als Vertreter von Haushaltsgeräten für die Home Equipment Company in Memphis, Tennessee.

Ich war ein hervorragender Funker und ein lausiger Vertreter.

GIVE MY LOVE TO ROSE

Es war mein Manager Saul Holiff, der mich – zunächst in geschäftlicher Hinsicht – mit June zusammenbrachte, indem er sie für meine Show am 5. Dezember 1961 in der „Big D Jamboree“ in Dallas engagierte. Ich wusste genau, dass dieser Tag für mich der Beginn von etwas Großem sein würde. Vielleicht wusste er das auch. Ich traf June Carter, ging zu ihr hin und sagte ihr ohne Umschweife: „Du und ich, wir werden eines Tages heiraten.“

RING OF FIRE

„Ich bin dankbar für ein Paar wirklich bequeme Schuhe. Ich mag meine Schuhe. Ich bin dankbar für die Vögel. Es kommt mir vor, als würden sie morgens beim Aufstehen nur für ich singen: „Guten Morgen, John. Du hast es gechafft, John.“ Und dann der erste Sonnenstrahl.

UNCHAINED

Ich bin dankbar, dass ich die Nacht überlebt habe und ihn sehen kann. Ich bin dankbar, dass ich keine tödliche Krankheit habe, dass ich bei  ziemlich guter Gesundheit bin, dass ich morgens aufstehen kann und hinuntergehen und frühstücken und dass ich dann die Dschungelwege entlanglaufen und die Blumen riechen kann – den Jasmin, die Winden, die Orchideen.

HURT

Im Drehbuch zu „Columbo“ war auch eine Rolle für die Band vorgesehen. Sie waren mit dem Flugzeug unterwegs zu uns, als ich erfuhr, dass Clayton Perkins, der jüngste und einzige noch lebende Bruder von Carl, der wildeste und trinkfesteste von ursprünglich drei Brüdern, gestorben war. Er hatte sich erschossen – Unfall oder Absicht, wir werden es nie erfahren, denn er hatte ständig mit seinen Waffen herumgespielt. Carl, der mit den Tennessee Three im Flugzeug saß, hatte noch nichts davon gehört.
Es war mir noch nie etwas so schwer gefallen, aber ich musste es tun. Carl musste es noch übers Telefon erfahren, denn ich wusste, dass er sofort nach Tennessee würde zurückfliegen wollen.
„Carl…“ begann ich, als er ans Telefon kam.
„Ist irgend etwas passiert?“
„Etwas Schlimmes ist passiert, Carl.“
„Wer ist es? Meine Mutter?“
„Nein.“
„Mein Daddy?“
„Nein, Carl.“
„Oh, nein. Es geht um Clayton, nicht wahr? Was ist passiert, John?“
„Carl, mir wurde gesagt, dass er sich umgebracht hat. Er hat sich im Bett mit einer Pistole erschossen.“

REDEMPTION SONG

Mein erste Amphetamin, eine kleine, weiße Benzedrin-Tablette mit einem eingekerbten Kreuz, nahm ich 1957, als ich mit Faron Young und Ferlin Husky auf Tour war und ich war begeistert davon. Es gab mir Energie und schärfte meinen Geist, es vertrieb meine Schüchternheit und verbesserte mein Timing, es turnte mich an, wie Strom, der in eine Glühbirne fließt.

GOD’S GONNA CUT YOU DOWN

Ich dachte, Junge Junge, das ist ja echt super. Das ist doch wirlich das beste Zeug der Welt, wenn es Dir damit plötzlich so gut geht, obwohl Du vorher solche Schmerzen hattest. Irgendwann muss ich unbedingt noch mehr davon bekommen.

HUNG MY HEAD 

Es dauerte nicht lange, bis die Abstürze wirklich schlimm wurden. Sobald ich aufwachte, spürte ich kleine Dinge in meiner Haut, Dornen oder Holzsplitter. Sie juckten furchtbar, so dass ich immer wieder versuchte, sie herauszuziehen. Es wurde noch schlimmer – sie wurden lebendig und begannen in meinem Fleisch regelrecht zu zucken und sich zu winden. Es war nicht zum Aushalten. Jetzt musste ich Pillen nehmen.

Amphetamin (alpha-Methylphenethylamin), auch Phenylisopropylamin oder Amfetamin genannt, ist eine synthetisch hergestellte Substanz aus der Stoffgruppe der Phenylethylamine (umgangssprachlich Pep(p) oder Speed). Es ist ein Stimulans, d. h. es regt die sympathischen Teile des vegetativen Nervensystems an. Der Handel und Besitz von Amphetamin ohne Erlaubnis ist in Deutschland und den meisten europäischen Ländern strafbar.

SOLITARY  MAN

Damals wurde ich genauso heftig dafür kritisiert, dass ich in Las Vegas spielte und mit all den Huren  und Spielern verkehrte, wie dafür, dass ich Gefängniskonzerte gab. Ich entgegnete, dass die Pharisäer das gleiche über Jesus gesagt hätten: „Er aß mit Zöllnern und Sündern.“

REDEMPTION DAY

„Es war im Overton Park Pavillon, und Elvis war der Top-Act des Abends. Die Zeitungsanzeige habe ich heute noch, schön eingerahmt. THE ELVIS PRESLEY SHOW stand da in großer, fetter Schrift. Und direkt darunter: „Außerdem – Johnny Cash singt „Cry Cry Cry“. Der Auftritt lief gut und Elvis bat mich, mit ihm zusammen auf Tour zu gehen. Ich war sofort einverstanden und nahm meine Frau Vivian mit. Aber es machte ihr Angst. Als sie sah, wie die Frauen beim Anblick von Elvis durchdrehten und ihr klar wurde, dass ich mich auf diese Welt zubewegte ließ ihre Begeisterung über meine angestrebte Platten- und Bühnenkarriere doch deutlich nach.“

ZIGGY STARDUST

WHEN THE MAN COMES AROUND 

Warum ich immer Schwarz trage?
Ich trage Schwarz for the poor and beaten down, livin‘ in the hopeless, hungry side of town.

For the prisoner who has long paid for his crime but is there because he’s a victim of the times. Und mit dem Vietnamkrieg vor Augen, der mich genauso schmerzhaft berührte wie die meisten anderen Amerikaner, trage ich es in mournin‘ for the lives that could have been.
Each week we lose a hundred fine young man.
I wear it for the thousands who have died, believin‘ that the Lord was on their side.

GHOST RIDERS IN THE SKY 

PERSONAL JESUS 

Es gibt eine Frage, die mir Journalisten immer wieder stellen: Warum saß ich im Gefängnis?
Ich saß nie im Gefängnis. Das Gerücht kam auf, weil ich Folsom Prison Blues geschrieben und gesungen habe, meinen Hit von 1955 aus der Sicht eines verurteilten, reuelosen Mörders. Und zwölf Jahre später habe ich ein Konzertalbum namens Johnny Cash At Folsom Prison aufgenommen.

FOLSOM PRISON BLUES 

GET RHYTHM 

Ich hielt meinen Betrieb mehr oder minder am Laufen, bis das Glück mir wieder hold wurde. Und das passierte 1994, als ich mich mit Rick Rubin zusammentat, der Musiker wie die Beastie Boys und die Red Hot Chili Peppers produzierte, die absolut nichts mit Nashville zu tun hatten.

RUSTY CAGE 

I’M LEAVING NOW

WE’LL MEET AGAIN 

Ich bin ein Nachfahre von Queen Ada, der Schwester von Malcolm dem Vierten.

Der wiederum ist der Sohn von King Duff, dem ersten König von Schottland.
Adas Besitz erstreckte sich über das gesamte Land östlich des Miglo River im Valley of Bran, im heutigen County Fife.
Der Leitspruch auf dem Wappen meiner Leute hieß: „Better Times Will Come“.
Ihr Name war Caesche. Geschrieben C – A – E – S –C – H – E.
Im Zuge ihrer Emigration im 16. Und 17. Jahrhundert hat sich die Schreibweise schließlich der Aussprache angepasst: C – A – S – H.

Hello, I’m Johnny Cash.

Der Fachhandel für Ereignisse und das nhow Berlin präsentieren: BETTER TIMES WILL COME: a tribute to Johnny Cash
Datum: 24. Februar 2017
Start: 19.00
Ort: Stralauer Allee 3, 10245 Berlin
Eintritt: kostenfrei

Es gibt wahrscheinlich nicht viele Menschen, die ein Beatles-Album in aller Öffentlichkeit als „komplette Kotze“ bezeichnet haben – und das auch noch basierend auf einer kompetenten Insider-Sicht. Außer vielleicht noch die paar hunderttausend christlicher Fundis in den USA, die nach der leicht missverständlichen Äußerung von John Lennon über die Beatles, Jesus und die ihnen jeweils noch zustehenden Rest-Minuten of Fame leicht berzerk gegangen sind.

Glyn Johns jedenfalls hat es getan und er würde es jederzeit wieder tun. Und das zu Recht, denn er hat das Material von „Let It Be“ (das Opfer seines harschen Urteils) zuvor selbst produziert und eine ehrliche, amüsante und revolutionäre Vision der zerrütteten Beatles auf Band gebannt.

#Masterclass BIMM Berlin

Am 20. Januar spricht der Mann, dessen Arbeit schließlich von Lennon und Harrison abgelehnt wurde und der trotzdem einer der legendärsten Produzenten der Popgeschichte ist, als Masterclass Guest vor den Studierenden der BIMM Berlin über sein unglaubliches Leben als Produzent der Rolling Stones, Beatles, Led Zeppelin, The Who, The Kinks, den Eagles, The Clash, Ryan Adams, den Small Faces undundund.

„Let It Be“, der kompositorische Scherbenhaufen, mit dem die Beatles ihr Lebenswerk zu Grabe getragen haben, ist für Johns so ziemlich alles von „erbärmlich“ bis eben, nun ja, „kompletter Kotze“. Und das liegt weniger an den Beatles und ihren Songs als vielmehr an Phil Spector und dessen geigengeschwängerter Operettenhaus-Schwanengesangs-Produktion, die das traurige Schlusskapitel im Leben der größten Komponisten der Popmusik in ein rosa Sound-Tütü wickelte.

Klar hat beim Zustandekommen dieser Meinung auch ein gewisser Neidfaktor eine Rolle gespielt. Denn Glyn Johns hatte Monate vor Spector einen Anruf von Lennon und McCartney bekommen, ob er nicht versuchen wolle, einen großen, wirren Stapel von Aufnahmebändern, lustlos gefüllt von uninspirierten Pop-Genies, zu einem Album zusammenzuflicken. Johns wollte natürlich und vollzog mit seiner Arbeit erneut den Schritt vom Toningenieur (der zu dieser Zeit noch festangestellt war und in vielen Studios in weißem Kittel zur Arbeit zu erscheinen hatte) zum Produzenten/Arrangeur/Regisseur, indem er die desolate Stimmung unter den vier bis fünf Mitgliedern der Beatles ebenso einfing wie die nach wie vor existierende große Freundschaft der vier Männer untereinander.

Und so wie er irgendwie 1970 am Grab der Beatles stand, so hatte er sieben Jahre zuvor ganz sachte aber mit bestimmter Hand die Wiege der Rolling Stones geschaukelt. Denn deren erstes Demo produzierte er bei seinem damaligen Arbeitgeber, den IBC-Studios. Und es war Johns, der die fünf Songs den richtigen Menschen bei Decca Records vorspielte, die klüger waren als ihr Kollege Dick Rowe, seines Zeichens A&R im selben Hause, noch ein Jahr zuvor, der ein ähnliches Demo-Band einer jungen Band namens The Beatles abgelehnt hat, um lieber Brian Poole & The Tremoloes unter Vertrag zu nehmen. Was nach wie vor als größte Fehlentscheidung der Musikhistorie gilt. Die legendäre, aber auch gute fünf Dekaden später gern verwendete Begründung von Rowe gegenüber dem Beatles-Manager: „Gitarrenbands geraten aus der Mode, Mr. Epstein.“

Der Rest in Glyn Johns Leben füllt bereits mehrere Bücher und brachte ihm die Aufnahme in die Rock’n’Roll Hall of Fame am 14. April 2012 ein, muss hier aber in Form einer Playlist aufs Nötigste runtergebrochen werden.

Glyn Johns war als Produzent/Engineer maßgeblich beteiligt an:

Led Zeppelin I
The Who: My Generation
Small Faces: Itchycoo Park
Rolling Stones: From The First Demo To Beggar’s Banquet
The Kinks: You Really Got Me
Eagles: First Album
The Clash: Combat Rock
Bob Dylan: Real Live
Eric Clapton: Slowhand
Joan Armatrading
Ryan Adams: Ashes

Im Januar erlebt Groningen wieder eine Reizüberflutung der Auskenner. Während des Eurosonic Noorderslag kommen die besten Booker der europäischen Festivalwelt zum Perlentauchen in die niederländische Studentenstadt, um die nächsten dicken Dinger für den Sommer zu entdecken. Alle haben natürlich alles in allen Facetten gesehen, gehört, erlebt und würden selbst dann nicht mit zartem Zucken der Augenbrauen oder Fußspitzen ihr Interesse zu erkennen geben, wenn eine Next-Gen-Kombi aus Rihanna und den Beatles in einem der Clubs spielen würde, die hier Huize Maas, De Spieghel oder Vera heißen.

Neben den Branchenprofis schlendern, rennen und radeln 40.000 Festivalbesucher durch die sehenswerte Altstadt, die selbstredend von einem Grachtengürtel zärtlich umplätschert wird. Aber es gibt einen Ort, der als Insel der Beschaulichkeit in diesem Trubel geschäftigen Hörens und Handelns liegt: Das House of Cooking. Betrieben vom Ehepaar Sharon Carlin Doelwijt und René Braaksma.

Das Interieur ist mit Liebe aus den ortsansässigen Antik-Läden der günstigeren Preiskategorie zusammengestellt, die Küche ist offen und produziert herrlichste Gerüche, von denen man auch in den frühen Morgenstunden noch etwas hat, wenn man sich im Hotel der Jacke entledigt. Es gibt wenige Gerichte auf der Karte, diese aber sind exzellent ausgewählt, nach lokalen Rezepten und mit regionalen Zutaten gekocht und jedes einzelne wird von Sharon oder René persönlich vorgestellt, wenn man das möchte. Die Weine sind handverlesen und wer früh genug kommt (was zu Eurosonic-Zeiten sehr unwahrscheinlich ist), kann die Vorzüge eines niederländisch eingefärbten British High Tea genießen.

Zum zweiten Nachtisch gibt es dann: MUSIK. Natürlich. Denn Sharon und René sind Musik, lieben Musik, atmen Musik und haben zwei singende Töchter, die von Billie Holiday bis Amy Winehouse nicht nur repertoiresicher sind, sondern vergessen lassen, dass da noch ein doppelter Espresso auf dem Tisch dampft und getrunken werden will. Eine höchstens 15 Zentimeter hohe Miniaturbühne mit Piano gehört zur Standardausstattung im House of Cooking, das mit zweitem Vornamen Le Petit Theatre heißt, eine gute Adresse der Jazz-Szene ist, aber auch Krimi-Lesungen und kleinen Theaterstücken ein Forum bietet.

Mein schönster Abend im House of Cooking fing selbstverständlich mit einem komfortablen Menü an. Es war im Januar 2015 und der Abend wurde von der älteren Tochter musikalisch eröffnet, die Songs von Amy Winehouse und Soul-Standards sang, zu denen sie sich selbst am Klavier begleitete. Dann trat die vielleicht zehnjährige Schwester an das glänzende Retro-Mikrofon und sang sich durch Lieder von Ella Fitzgerald und dem American Songbook. Später trudelten einige Jazz-Musiker ein, starteten eine Session, während René fleißig Percussion-Instrumente und Gitarren an all jene Gäste verteilte, die mindestens mit dem Hauptgang fertig waren. Smartphones wurden gezückt, um die Texte von »Let It Be«, »Hey Jude« und allen anderen 259 Karaoke-Klassikern parat zu haben und am Ende sang, tanzte und spielte das gesamte, wirklich das gesamte Restaurant –mit allen Booker-Größen Köchen und Service-Menschen.

Kein Showcase an diesem Abend. Der Festival-Sommer wurde trotzdem gut.