Björn Döring

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Ostberlin Androgyn
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State of the Art(s) – Ostberlin Androgyn

Wir treffen uns am Theater an der Parkaue, unweit der Frankfurter Allee, die Lichtenberg und Friedrichshain mehr verbindet als trennt. Und das obwohl Gregor Easy und Kanye Ost, die beiden Rapper von Ostberlin Androgyn ursprünglich aus Neu-Hohenschönhausen kommen, wo sie sich am Prerower Platz auch zum ersten Mal begegnet sind. Beim Fußball. Aber das ist beiden erst viel später wieder eingefallen.

Die Parkaue mit der kleinen Open Air Bühne und der seltsam geometrischen Form der wahrscheinlich unbequemsten Zuschauerbänke in ganz Berlin ist aber auch ein Lichtenberger Ort, mit dem sie einiges verbinden. Denn um 2005/2006 herum haben sie hier antifaschistische Festivals organisiert. Dieser Widerstand gegen rechte Denk- und Handlungsmuster ist etwas, das die beiden seit ihrer Kindheit begleitet. Früher ganz konkret in Form von Gewalt und Bedrohung durch Nazis in der Schule und in der Freizeit. Heute bei der Frage, wie stark diese Denk- und Argumentationsmuster in die Parteienlandschaft hineinreichen.

Aber das ist an diesem sehr kalten Dezember-Abend unserer Dreharbeiten nicht das vordergründige Thema der beiden, die mit DJ und Produzentin Spoke als Ostberlin Androgyn gerade ihre erste Zusammenarbeit mit dem Label Audiolith unterschrieben haben. Die Arbeit an den ersten Singles, ihrer Veröffentlichung und vielen Festival- und Clubkonzerten stand eigentlich auf dem Zettel für 2020. Dann kam der Stillstand und die Arbeit an den Tracks und den selbst gemachten Band-T-Shirts (zuhause bei Gregor Easy wird noch selbst Hand angelegt an der Siebdruck-Maschine) rückte in den Vordergrund. Ebenso wie das Sofa, das sie als probate Waffe im Kampf gegen die Pandemie ausgemacht haben.

„Im Zweifelsfall ist es eben auch OK, auf dem Sofa zu chillen und sich von dem Wahnsinn da draußen fernzuhalten“, sagt Kanye Ost. Sogar die wenigen Einladungen zu corona-kompatiblen Konzerten und Festivals haben sie intern heftig diskutiert. „Alle Veranstalter haben sich riesige Mühe gegeben und Abstandshalter beim Tanzen genau markiert“, erinnert sich Kanye. „Aber trotzdem denkt man natürlich im Vorfeld sehr genau darüber nach, ob man das machen soll oder nicht.“

Mittlerweile ist die kleine Parkbühne ordentlich eingenebelt. Ein paar bunte, flackernde Scheinwerfer machen den Nebel undurchdringlich und gaukeln die schöne Illusion vor, dass sich dahinter wirklich eine Bühne verbergen könnte. Ist aber nicht so. Stattdessen sitzen Gregor Easy und Kanye Ost heute Nacht ausnahmsweise mal selbst auf den Zuschauerplätzen, versuchen sich mit kaltem Bier und dicken Rauchwaren warm zu halten. Dabei scheitern sie grandios und nennen sich seither Gregor Freezy und Kanye Frost. Musikersein im Winter 2020 hat eben doch viel mit Aushalten zu tun.

 

Foto: Jim Kroft

State of the Art(s) – Ostberlin Androgyn (YouTube-Video)
A Panda Do Sol
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State of the Art(s) – A Panda Do Sol

Im Industriegebiet zwischen Herzberg- und Josef-Orlopp-Straße entstehen die neuen Spiel- und Arbeitsplätze der Kultur in Lichtenberg. Neue Bars, Probenräume, Studios haben hier eröffnet und das Dong Xuan Center sorgt ohnehin dafür, dass immer wieder Straßenbahnwagons voller Menschen hier ankommen, die die Gegend neu für sich entdecken. Das NadaNadi-Studio in der Josef-Orlopp-Straße gehört zu diesen Orten mit neuer Anziehungskraft. Gegründet und aufgebaut wurde das Studio von den beiden Franzosen Florent Chaintiou und François Perdriau, die hier einigen Künstler*innen eine Residenz anbieten und neue Musik aufnehmen können.

Ihr Landsmann Félix Huet hat sofort das Studio als seinen ganz besonderen Lichtenberger Ort identifiziert, als wir ihn gefragt haben, wo wir ihn uns seine Band A Panda Do Sol filmen sollen. Kein Wunder, denn die achtköpfige Band nimmt dort gerade ihre zweite Platte, die EP „Na Lua“ auf, die im Lauf des Jahres 2021 erscheinen soll. Die international besetzte Band hat sich vor vier Jahren in Berlin gegründet. Die Musiker*innen kommen aus Brasilien, Frankreich, Deutschland, Italien und Spanien. Die Lebensmittelpunkte sind quer über die Stadt verteilt, aber Lichtenberg ist das aktuelle Zentrum ihrer Arbeit.

Kein Wunder, denn Auftritte sind nicht nur wegen der Größe der Band momentan nicht möglich. Auch ihre besondere Nähe, die Nähe zum Publikum und der unmittelbare Wunsch zu Tanzen, den der Mix aus afro-brasilianischen Rhythmen, Jazz und populärer brasilianischer Musik auslöst, kann nicht wirklich erfüllt werden. Umso mehr ist die Band zu bewundern, wie sie spät abends bei klirrender Kälte und nach einem langen Tag im Studio noch im Obersee-Park, nahe der geschlossenen Bar am Wasserturm für Außenaufnahmen zusammenkommt und die wenigen Spaziergänger*innen mit ihrem Groove begeistert. Der Trockeneis-Nebel zieht leicht gespenstisch durch den idyllischen Park – die Töne scheinen darauf zu tanzen und an eine andere, wärmere, festlichere Zeit zu erinnern. Oder Hoffnungen zu machen auf das, was nach der Pandemie wiederkommt.

Foto: Jim Kroft

Mau Mushi
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State of the Art(s) – Mau Mushi

Roxy, die sich als Performerin Mau Mushi nennt, hat uns in den Fennpfuhl-Park eingeladen, der nicht nur im Sommer ein ganz besonderer Ort für sie ist. Eingerahmt von vielen Hochhäusern bietet der Park ein kleines Stück Weite und selbst im November noch einen Ort für ein kleines türkisches BBQ. Über allem steht wie ein Icon, wie ein Monolith das große Hochhaus vom Anton-Saefkow-Platz, das sich in der Abenddämmerung aufbrezelt und leuchtet wie ein rechteckiger, gigantischer Weihnachtsbaum, der sich im Wasser des Fennpfuhls spiegelt.

An diesen Ort bringt die Musikerin, Rapperin und Produzentin ihre Sehnsucht mit: „Ich vermisse am meisten die Nacht, den Tanz“, antwortet sie auf die Frage, was für sie der größte Verzicht oder Verlust in Corona-Zeiten ist. „Für mich sind das wichtige Rituale, die zu meiner Kultur gehören. Für mich ist es das gleiche, wie es für andere Leute ist, in die Kirche zu gehen. Ich kann mir ganz schwer ein Leben vorstellen, ohne eine Nacht, in der ich tanzen kann. Für mich ist das wirklich eine spirituelle Praxis. Die Vorstellung, dass einem das weggenommen werden könnte, ist total beängstigend.“

Eine Kirche gibt es in der Tat auch am Rand des Fennpfuhl-Parks. Aber einen Club natürlich nicht. Deshalb bauen wir ihn an diesem Abend. Mit ein paar Stroboskop-Lichtern. Mit viel Nebel. Und mit einer kleinen Boombox, aus der Roxys zweite Single… ehrlich gesagt eher scheppert als wummert. Aber das allein reicht schon aus, um eine Veränderung in der Frau auszulösen, die vor über sieben Jahren nach Lichtenberg in die Häuser am Weißenseer Weg gezogen ist.

Eine Veränderung, die äußerlich durch Outfitwechsel von Job-Klamotten (sie arbeitet bei der Musiktechnologie-Firma Ableton) zu Nacht-Klamotten ebenso skizziert wird wie durch einen inneren Wandel. Die Frau, die vorher im Gespräch sehr nachdenklich und mit Widersprüchen ringend gewirkt hat, findet sich, geht aus sich raus und lässt sich auf die Illusion ein, wird zu dem Nachtgeschöpf, das sie in den Monaten seit Beginn der Pandemie nicht mehr sein konnte, weil die Clubs geschlossen, die Festivals abgesagt sind und damit ein wichtiges Stück Kultur und Zuhause fehlt.

Aber auf diese Situation reagiert auch sie nicht mit Trotz und Ablehnung: „Ich will nicht darüber spekulieren, welche Maßnahmen da jetzt besser gewesen wären oder wie man das hätte anders machen können. Da sitzen Leute dran, die sich wirklich Mühe geben, das vernünftig für alle zu lösen. Und dass sie Fehler in einer solchen Situation machen, ist irgendwie auch verzeihlich. Denn das ist eine Wahnsinnsaufgabe.“

Foto: Jim Kroft

Katrin Hübner
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State of the Art(s) – Katrin Hübner

Den Zentralfriedhof in Friedrichsfelde kannte ich bis zum Ausbruch der Corona-Pandemie nur aus dem Fernsehen. Und das wiederum fiel mir erst auf, als ich im Frühling zum ersten Mal dort war. Schlagartig kamen Bilder aus den West-Nachrichten in den mittleren bis späten Achtzigern ins aktive Gedächtnis zurück, mit denen über die jährliche Gedenkveranstaltung anlässlich der Ermordung von Rosa Luxemburg und Karl Liebknecht berichtet wurde, die dort ihre letzte Ruhe gefunden haben. Viele tausende zogen jährlich an den Gräbern und der Gedenkstätte vorbei.

Mit Katrin Hübner sind wir fast allein auf dem Friedhof. Es ist November. Es ist bitterkalt. Die Stille, aber auch die Schönheit dieses großen Parkfriedhofs, der nicht nur zum Gedenken, sondern auch zur Erholung genutzt werden darf, umfängt uns. Katrin nimmt die Dinge in die Hand, gibt eine kleine historische Einführung, erzählt von ihren Erinnerungen als gebürtige Marzahnerin und dass sie auch heute noch bei den Gedenkveranstaltungen vorbeischaut.

Seit diesem Sommer aber hat der Zentralfriedhof für sie und ihren Lichtenberger Kammerchor noch eine ganz andere Bedeutung. Denn ein von einer kleinen Mauer umgebener Baumkreis am entlegensten Ende des riesigen Geländes wurde der Probenort für den Kammerchor, den Katrin Hübner leitet. Die Chorleiterin und Musikerin traf sich hier mit den Singenden, nachdem eine quälend lange Zeit das gemeinsame Singen nicht möglich war. Das persönliche Wiedersehen war sehr schön, das Singen mit Abstand und im Freien trotzdem nicht leicht, denn es fehlte nach wie vor das, wonach sich Katrin Hübner am meisten sehnt: Im Klang zu sein. Teil eines größeren, nicht greifbaren Körpers, in dem die Arbeit und Mühe des Probens ihre wunderbare Auflösung findet.

Bis zum Beginn des zweiten Lockdowns konnte der Chor in der Feierhalle proben, wo normalerweise die Trauerfeiern stattfinden. Nun ist auch das wieder auf absehbare Zeit nicht möglich. Katrin dirigiert eine Reihe leerer Stühle, auf denen nur die Namen der Chormitglieder kleben – als Erinnerung, aber auch als Mutmacher dafür, dass das gemeinsame Schaffen von Klang, von Musik wieder möglich sein wird.

Das erste Konzert ihres Kammerchors war ein Gesangsflashmob auf dem Gelände der Stadtfarm Herzberge, wo samstags im Sommer ein kleiner Wochenmarkt stattfindet. Im Gespräch mit der starken, aber von den Herausforderungen der Corona-Zeit auch ermüdeten Frau stellt sich heraus, dass ich – ohne es zu wissen – damals Zeuge des Konzerts war und tief bewegt von der Schönheit live gesungener Lieder. Wie lang haben wir das vermisst.

Foto: Jim Kroft

State of the Art(s) – Katrin Hübner (YouTube-Video)
YNT
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State of the Art(s) – YNT

Es ist die übliche Geschichte unter Profi-Musiker*innen: man kennt sich, man läuft sich immer wieder über den Weg, man schätzt die Arbeit der Kolleginnen und denkt jedes Mal wieder: Wir müssten mal was miteinander machen. Aber der nächste Job im Studio, die nächste Tour oder im Fall der Schlagzeugerin Lizzy Scharnofske womöglich noch der nächste Schauspieljob stehen direkt vor der Tür – und die gemeinsame Band verharrt im Konjunktiv.

So genau beginnt die Geschichte der Trios YNT (gesprochen: Why not?), die ohne Corona und ohne den Lockdown nie eine Geschichte geworden wäre. „Aber plötzlich standen wir komplett ohne Jobs und Tourneen da, waren quasi arbeitslos und hatten jede Menge Zeit“, sagt Keyboarderin Yazzkimo. Der Proberaum von Lizzy kam da gerade recht und entwickelte sich zu einem Bollwerk gegen die Zukunftsangst und den Frust über den abgesagten Festivalsommer.

Lizzy Scharnofske, die man unter anderem durch ihre Rolle als Schlagzeugerin Tina Poweleit aus dem Film „Gundermann“ kennt, stand im März gerade kurz vor einer Premiere im Maxim Gorki Theater, als der Lockdown kam und mit ihm eine Kette von Absagen, die nicht mehr enden wollte. Lizzy, Yazzkimo und Sissi P sind alle Profimusiker*innen. Sie verkörpern geradezu klassisch das, was in der Bundespolitik unter dem leidigen Stichwort zwar einen Namen aber kein wirkliches Verständnis gefunden hat. Ihre Terminkalender waren Anfang des Jahres voll, die Perspektiven gut. Von einem auf den anderen Moment brachen drei Leben zusammen.

„Ich habe natürlich schon überlegt, wie es weitergehen soll und woher das Geld kommt“, sagt Lizzy. „Sogar als Erntehelferin habe ich mich beworben, als es hieß, dass die gesucht werden. Aber da hat sich niemand zurückgemeldet. War wohl doch nicht so dringend.“

Und so konzentrierten sich die drei Frauen auf ihre Kreativität und wuchsen als Band zusammen, da im Gegensatz zum Geld zumindest die Zeit im Übermaß vorhanden war. Und Zeit brauchen sie für ihre intuitive, elektronische Musik, die eher aus Jams und Improvisationen als aus klassischen Kompositionen und Songstrukturen besteht. Sie nehmen sich Themen, abstrakte Begriffe zum Beginn einer Probe vor und entwickeln daraus einen Beat, eine Soundstruktur und holen den Club in ihren Übungsraum in der Lichtenberger Pfarrstraße. „Man vergisst oft, wie wichtig die Musik und das Tanzen für die seelische Gesundheit sind“, sagt Yazzkimo. „Ich merke das zum Beispiel bei meinen Musikschüler*innen, die schon seit so vielen Monaten nicht auf Konzerte oder Tanzen gehen können, wie sehr sie das alles vermissen.“

Foto: Jim Kroft

State of the Art(s) – YNT (YouTube-Video)
Fannie Wilkens
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State of the Art(s) – Fannie Wilkens

Alt-Hohenschönhausen ist nicht unbedingt das, was man im klassischen Sinn als Szene-Viertel bezeichnen würde. Die Gegend rund um Obersee und Orankesee ist von Kopfsteinpflaster und Einfamilienhäusern samt einer beschaulichen Idylle geprägt. Dass hier einige der bekanntesten Künstler*innen der deutschsprachigen Rockmusik gearbeitet haben und arbeiten, würde man nicht glauben, hingen da nicht die Goldenen- und Mehrfach-Platin- oder ECHO-Auszeichnungen an den Wänden, vergeben für die Erfolge von Silbermond, Silly, Joris oder Udo Lindenberg. An diesen und an vielen anderen Platten hat Ingo Politz mit seinem Partner Bernd Wendlandt und ihrem Valicon Label in den letzten Jahren gearbeitet. Vieles davon ist in der alten Dorfschmiede von Alt-Hohenschönhausen entstanden, wo die Valicon Studios ihre Heimat gefunden haben.

Der Aufbau und die Entwicklung von neuen Talenten ist eine Herzensangelegenheit. Deshalb sitzen wir jetzt mit Fannie Wilkens vor dem Mischpult. Die Sängerin kommt ursprünglich aus der Schweiz, genauer gesagt aus dem Kanton Bern, ist über die USA schließlich in Berlin gelandet und hätte ohne die Musik und ohne Ingo wahrscheinlich nie erfahren, wo Alt-Hohenschönhausen liegt. Sie hat schon für Universal Music Publishing und für Warner Music Schweiz gearbeitet, ist in Shows des Wintergarten Varietés aufgetreten und hat währenddessen immer ihre eigenen Songs geschrieben.

Einen von ihnen, „Wir brauchen mehr“, veröffentlicht sie parallel zum State Of The Art(s)-Projekt. Es ist ein Song für diese ganz besondere Weihnachtszeit 2020, aber es ist kein Christmas Song. Kein Sleighbell-Ring, kein zugefrorener See, keine Romantik von knisterndem Schnee, sondern ein zutiefst ehrlich gemeinter Appell an Menschlichkeit und Zusammenhalt. Sie selbst hat diesen Zusammenhalt in der Valicon-Family gefunden – nicht nur durch den Glauben des Produzenten an ihre Musik und ihre Persönlichkeit, sondern auch schlicht und ergreifend durch das Ziel, regelmäßig im Studio arbeiten und aufnehmen zu können.

Denn ohne die Auftritte ist der Alltag natürlich eingebrochen, haben sich die Routinen der Arbeit von heute auf morgen verabschiedet, ebenso wie das Adrenalin, das jeden Auftritt zu einem besonderen Ereignis macht.

Foto: Jim Kroft

State of the Art(s) – Fannie Wilkens (YouTube-Video)
fanniewilkens.com
Hung Manh Le & Hoa Phuong Tran
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State of the Art(s) – Hung Manh Le & Hoa Phuong Tran

Ausnahmsweise ist es mal gut, dass die Schostakowitsch-Musikschule an diesem Vormittag keinen Aufführungsraum mit schicker Bühne und sanft ansteigenden Zuschauerrängen zur Verfügung hat. Das werden die Lehrenden und die Lernenden vielleicht anders sehen – aber mit einem schicken und filmisch gut zu inszenierenden Raum wären wir nie auf die Idee gekommen, das kleine Konzert von Hung Manh Le und seiner Frau Hoa Phuong Tran im Treppenhaus der 1907 als Knaben-und-Mädchen-Gymnasium gebauten Schule zu filmen. Und ohne diese Idee wäre es niemals dazu gekommen, dass man plötzlich auf allen Gängen, in allen Etagen die fernweh-auslösenden und doch irgendwie vertrauten Klänge der vietnamesischen Instrumente Dan Bau, der einsaitigen Zither, und der Dan Tranh, der Wölbbrettzither, hätte hören können.

„Lichtenberg ist ein bisschen wie Klein-Hanoi“, sagt Herr Le und lacht. „Hier können wir alles kaufen und hier fühlen wir uns wohl. Die Plattenbauten kennen wir schon aus Hanoi und aus der damaligen Sowjetunion, wo wir auch mal gelebt haben.“ Das Ehepaar hat tatsächlich eine Ausnahmestellung. Denn sie sind die bundesweit einzigen Musikschullehrer*innen für vietnamesische Musik. Und die Schostakowitsch-Musikschule ist der einzige öffentliche Ort, der solche Kurse anbietet. Eine Besonderheit, die aber angesichts der vielen Menschen mit vietnamesischen Lebensläufen in Lichtenberg nur folgerichtig ist.

Und so wie die Musik trotz ihrer Komplexität sofort die Seele berührt, wie sie durch das Gebäude zu fließen scheint und immer mehr Menschen zum Ort lockt, wo Hung Manh Le und Hoa Phuong Tran an diesem Freitagvormittag spielen, so gewähren uns die beiden auch immer mehr Einblicke in ihre Seelen, die von der Sorge um die Pandemie bewegt werden. „Ich halte mich eigentlich für einen starken Menschen“, sagt der Lehrer und Musiker. „Aber manchmal wache ich nachts auf und frage mich, wie es weitergehen soll mit dieser Krankheit und mit unserem Leben.“

Ihnen sind alle Auftritte für ihr Lotusensemble abgesagt worden, mit dem sie schon für den damaligen Bundespräsidenten Horst Köhler gespielt haben und insbesondere in der Vorweihnachtszeit normalerweise sehr viele Konzerte hätten. Das hat ihnen Angst gemacht. „Aber wir wollten nicht die Zeit verlieren.“ Deshalb haben sie sich seit März weitergebildet, sich noch intensiver mit ihren Instrumenten beschäftigt und Hoa Phuong Tran hat endlich die Musik aufgenommen, die sie schon immer aufnehmen wollte.

Die beiden verbringen jede nur mögliche Minute miteinander. Sie sind sehr eng, die Liebe zueinander und zur Musik verbindet sie so augenscheinlich, dass es tief berührt. Vor 40 Jahren haben sie sich kennengelernt. Seit 35 Jahren sind sie zusammen. Warum? „Es war einfach so. Kein Geheimnis.“, sagt Herr Le. „Wir lieben uns. Und jetzt haben wir Enkelkinder.“ Und diese Kinder und Enkelkinder sind wiederum der Grund, warum sich die beiden so intensiv, so vorsichtig und oft auch so sorgenvoll mit der Corona-Pandemie auseinandersetzen: „Wir sind Musiker und deshalb sind die abgesagten Konzerte natürlich ein großer Schaden für uns. Aber wir sind auch Eltern. Und wir sind auch Oma und Opa. Deshalb haben wir eine große Verantwortung.“

Von ihrem Unterrichtsraum in der Schostakowitsch-Musikschule schauen die beiden täglich auf einen Regenbogen, der fast schon so etwas wie ein Symbol für Lichtenberg geworden ist. Er leuchtet auf der Fassade der sogenannten Regenbogen-Häuser und ist für Herrn Le ein Zeichen für das neue Lichtenberg: „Für mich sind Regenbögen ein Glückszeichnen und ein Zeichen der Hoffnung – wie eine Brücke zwischen Menschen, auch zwischen den Menschen mit verschiedenen Farben. Das heißt, egal ob man aus Afrika, Asien oder Europa kommt – hier lebt man zusammen. Lichtenberg ist bunt.“

Foto: Jim Kroft

State of the Ar(s) – Lichtenberg | Hung Manh Le & Hoa Phuong Tran
Weitere Informationen zum Lotus Ensemble
Liv Solveig
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State of the Art(s) – Liv Solveig

„Das rettet mein Leben gerade“

Es gibt Menschen, die scheinbar ohne Visier durchs Leben gehen. Die sich nicht auf eine Maske aus Coolness verlassen können. Oder wollen. Und denen man wunderbarerweise ihre Gefühle und Empfindungen direkt ansieht. Die Musikerin Liv Solveig macht genau diesen Eindruck, als wir sie auf dem Gelände der alten Konsum-Fleischerei in der Josef-Orlopp-Straße treffen. Zwei Wochen im März wollte sie in Lichtenberg bleiben, um den ersten Lockdown in Ruhe und abgeschieden von der Hektik ihrer Musiker*innen-Community in Neukölln abzuwarten und auszuhalten. Mittlerweile sind es acht Monate geworden. Acht Monate, in denen ihr das Symphonie-Orchester in ihrem Kopf die Ruhe und den Halt gegeben hat, um nicht an der Situation zu verzweifeln. „Das rettet mein Leben gerade“, sagt die deutsch-norwegische Musikerin, und meint damit die Möglichkeit, das Musikmachen, das Komponieren, das Aufschichten von Sound-Texturen und Arrangements im eigenen Kopf als Refugium zu haben.

Liv Solveig Wagner ist Profi-Musikerin. Sie hat Violine in Deutschland und Jazz-Gesang in New York studiert und geht als Gastmusikerin mit Acts wie Alin Coen, Tuva Band oder Safi auf Tour. Oder sie arbeitet an ihrem eigenen Soloalbum, dem zweiten seit 2014, das eigentlich im Herbst 2020 erscheinen sollte. Ohne Konzerte aber lässt sich kein Album promoten und ohne Promotion kann eine junge Künstlerin nicht in dem Maß auf sich aufmerksam machen, wie es ihr orchestraler Indiepop verdient. Aber weder diese Unsicherheit noch die Tatsache, dass durch den zweiten Lockdown eine Tournee mit Alin Coen in 20 Städten mit 20 Konzerten abgesagt wurde, löst bei Liv Solveig Bitterkeit oder Frustration aus. Angst vielleicht – denn mit diesen Konzerten und Jobs ist nun einmal die eigene Existenz als Musikerin verknüpft. Diese Angst blitzt in einzelnen Formulierungen durch. Nicht als Panik, aber als realistische Einschätzung der Situation.

Doch wenn man sie sieht, wenn man sie spielen hört, scheint es schier unvorstellbar, dass Liv Solveig jemals darüber nachdenkt, etwas anderes als Musik zu machen, wenn die Pandemie noch lange anhält und Konzerte weiterhin unmöglich sind. Sie ist in der bemerkenswert glücklichen Lage, sich in den meisten aller Momente auf das Positive konzentrieren zu können. Die Musik zeigt ihr diesen Weg. Oder ihr Hund, mit dem sie ausgedehnte Spaziergänge durch Lichtenberg macht, auf denen sie Orte wie die alte Konsum-Fleischerei in der Josef-Orlopp-Straße entdeckt. Seit 1994 stehen die Maschinen hier still. Ein Teil des Gebäudekomplexes steht weiterhin leer und ist zu einem Atelier für zahlreiche Streetart-Künstler*innen geworden.

Foto: Jim Kroft

Video: State of the Art(s) – Lichtenberg | Liv Solveig
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Reeperbahn Festival 2020: Soziales Engagement im Future Dome

Gesellschaftliches Engagement und eine klare Haltung sind für den Fachhandel wichtige Eckpunkte im Leben und in der täglichen Arbeit. In den vergangenen 3 Jahren haben wir die popnpolitics-Plattform auf’s Reeperbahn Festival gebracht, in diesem Jahr fordern die Begleitumstände eine Verdichtung und lassen kein so umfangreiches Programm zu. Daher haben wir uns für den Festival-Samstag auf drei Themen konzentriert, die wir für wichtig und unausweichlich halten: Ein globaler Plan, wie sich das Club- und Kulturleben nach dem Lockdown erholen kann. Ein wichtiger Impuls zur Unterstützung der Seenotrettung. Und ein Blick in die Zukunft einer nachhaltigen, grüneren Veranstaltungswirtschaft. Das “engagierte” Gesprächsprogramm findet im Future Dome im Festival Village statt, der dieses Jahr deutlich größer als in den Vorjahren ausfallen wird, und ist für das Festival Publikum vor Ort zugänglich.

 

Here we go:

12:45 – 13:30 Uhr

„Verantwortung tragen“ – Eine Kampagne für die Seenotrettung

Die Berliner Kreativagentur DOJO bringt mit ihrer Initiative #Verantwortungtragen jedes Jahr zur Fashion Week Designer*innen und Labels für eine soziale Kollektion zusammen, um gemeinsam auf gesellschaftliche und humanitäre Missstände aufmerksam zu machen.

In diesem Jahr unterstützen sie die Arbeit von Sea-Watch. Die zivile Seenotrettungsorganisation ist 2014 aus einer Initiative von Freiwilligen entstanden, die dem Sterben von Menschen auf der Flucht im Mittelmeer nicht mehr länger tatenlos zusehen konnten. In den letzten 5 Jahren war der Verein an der Rettung von über 38.000 Menschen beteiligt.

In der Talkrunde stellen Fabian Melber, Field Media Coordinator bei Sea-Watch, Marija Stojanovic, Leitung der DOJO Siftung, der DOJO Geschäftsführer Kreation Joachim Bosse sowie der Musiker MAJID, der selbst 2015 über die Ägäis nach Deutschland flüchtete, die Initiative vor, geben Einblicke in die Arbeit von Sea-Watch und erklären, wie Mode und Aktivismus zusammenpassen. Vor allem die Fragen, wieso Solidarität zu zeigen aktuell wichtiger ist denn je, und warum es der Initiative ein besonderes Anliegen ist, junge Menschen für politische Themen und Teilnahme zu begeistern, stehen im Vordergrund.

Musikalischer Akt: MAJID

 

15:15 – 16:00 Uhr

A Global Nighttime Recovery Plan – Sichere und machbare Strategien für den Neuanfang

Präsentation von Lutz Leichsenring, Clubcommission Berlin

Der Global Nighttime Recovery Plan (GNRP) ist ein gemeinschaftlicher, praktischer Leitfaden für Städte, die versuchen, den besten Weg zu finden, um eine sichere und durchführbare Strategie zur Wiedereröffnung und Reaktivierung ihrer kreativen und nächtlichen Wirtschaft zu entwerfen und umzusetzen.
In vielen Städten werden Clubs, Veranstaltungsorte und andere Versammlungsstätten wahrscheinlich als letzte wiedereröffnet werden, was die nächtliche Kulturwirtschaft sehr anfällig macht. In dem Maße, wie wir beginnen, uns von der Abriegelung zu lösen, müssen wir neu überdenken, wie städtische Systeme mit der anhaltenden Bedrohung durch COVID-19 koexistieren – und diese Systeme müssen sich bis in die Nacht hinein erstrecken.

Global Nighttime Recovery Plan

18:30 – 19:15 Uhr

Zukunftsfähigkeit: Jetzt! – Ein Action-Plan für die Veranstaltungswirtschaft in Hamburg

Presented by Green Events Hamburg

Speaker*innen

Green Events Hamburg war auf der Zielgeraden: eine zukunftsfähige und nachhaltige Veranstaltungslandschaft in Hamburg mit rund 200 Akteur*innen aus der städtischen Verwaltung und der Veranstaltungsbranche verbindlich im öffentlichen Raum etablieren. Handlungsfelder sollten 2020 gemeinsam mit über 25 Praxispartnern – vom Reeperbahn Festival über den CSD bis zum Hella Halbmarathon – sowie einem Team aus über 10 Berater*innen auf Praxistauglichkeit getestet werden. Und dann kam Corona… Nach einer kurzen Neuorientierung sagten –fast– alle: „wir wollen daran weiterarbeiten. Wir nutzen die Krise als Chance, um über eine Veränderung nachzudenken und den Weg dahin zu ebnen.“ Doch wie kann das gehen? In diesem Panel berichten Projektpartner*innen davon, warum gerade die Krise das Engagement für die Gesellschaft weckt und wie ein „niemals aufgeben“ gelingen kann. Berater*innen und Student*innen von der Leuphana Universität weiten den Blick nach außen und geben Anregungen, wie Hürden genommen werden.

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Ereignisraum Berlin: Tech it to the next level

EREIGNISRAUM BERLIN – Showcases, Masterclasses und digitale Lounge rund um MusicTech aus Berlin

Der Ereignisraum Berlin ist in diesem Jahr ein Online-Zuhause für die Band Ätna, für Melissa E. Logan (Chicks on Spead), Gee Linford-Grayson (Patreon), Cibelle Cavalli Bastos (Künstlerin), das Trio Bobby Rausch oder Peter Herris (Resonate). Sie alle und viele weitere Gäste eint das Thema: MusicTech als Treiber für neue Ideen, neue Sounds, neue Wege, um Einkommen zu generieren.

Wie das gehen kann, welche Wege sie für sich selbst gefunden haben und anderen empfehlen würden, erfahrt Ihr am Freitag, den 18.9. ab 14:10 Uhr live auf der digitalen Plattform des Reeperbahn Festivals in Masterclasses, einem Panel, einer digitalen Lounge und unserem Showcase, der von berta.berlin gedreht wurde. Die digitale Lounge als Online-Begegnungsort und Video-Chatroom öffnet schon am Donnerstag, den 17.9., ab 10 Uhr.

Gebaut und entwickelt haben wir den Ereignisraum zusammen mit Matthias Strobel von Music Tech Germany. Unterstützt und möglich gemacht wurde das Projekt von Berlin Partner für Wirtschaft und Technologie.

Programm am Freitag, 18.9.:

14:10 – 14:50 Uhr – Panel: Tech It To The Next Level
Artist Talk über die Verknüpfung von menschlicher Inspiration mit technologischer Innovation
mit Cibelle Cavalli Bastos (Cibelle, Artist, Musician, Creative Technologist, DE), Robin Sukroso (ACPAD Instruments, CEO / Founder, DE), Melissa E. Logan (University of Craft Action, Performer, DE). Moderation: Matthias Strobel

15:00 – 16:00 Uhr – Masterclass: Ereignisraum Berlin
Expert Talk über die Transformation des ökonomischen Systems in der Musikwelt
mit Gee Linford-Grayson (Patreon), Peter Harris (Resonate), Thomas Philips (Steertone)

Ganztägig abrufbar: Showcase: Berlin
mit Ätna, Bobby Rausch, Robin Sukroso
gefilmt von berta.berlin

Donnerstag & Freitag, jew. 10:00 – 20:00 Uhr – Digital Lounge: MusicTech Berlin

In der Digital Lounge auf der Plattform des Reeperbahn Festivals triffst Du die Menschen hinter den innovativsten Firmen der Berliner Music Tech Welt zum Chat und zum Austausch von Ideen.

Donnerstag, 17.9.,
mit Steertone (10:00 – 12:00)
System One (14:00 – 16:00)
Loudly (16:00 – 18:00)
Music Tech Germany (18:00 – 20:00)

Fritag, 18.9.
Cyanite (12:00 – 14:00)
Playtronica (14:00 – 16:00)
Resonate (16:00 – 18:00)

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